Esthétique cyberpunk, fusions humains-robots, néons survoltés, science-fiction et paranormal… Vos tsugistes ont plongé dans l’univers des animés pour vous dénicher les pépites dotées des meilleures bandes-sons électroniques.

Le 20 octobre, Night City nous a rouvert ses portes avec la sortie très attendue de la saison deux de l’animé Cyberpunk: Edgerunners. Dans une ville du futur obsédée par la technologie et les modifications corporelles, on suit David, qui essaie de survivre dans les rues avant de devenir un mercenaire, ou « cyberpunk ». Avec une BO électronique signée Akira Yamaoka, Cyberpunk: Edgerunners fait partie de ces œuvres modernes qui puisent dans des univers futuristes et hybrides, bien loin des animés traditionnels et de leurs musiques symphoniques. Techno, trance ou eurodance : les musiques électroniques occupent une place centrale et accompagnent parfaitement ces univers. Souvent construite en amont ou en même temps que les images, la musique dicte le le rythme de ces œuvres, des plus mythiques comme Ghost in the Shell, aux plus récentes comme le projet Freq.

Illustration pour IMG_4228
Affiche Cyberpunk: Edgerunners

Ghost in the Shell

Quand on parle d’animation japonaise et de musiques électroniques, une évidence nous vient en tête : Ghost in the Shell. Nous sommes dans le futur, en 2029, à New Port City. Les avancées technologiques ont transformé l’humanité : les corps peuvent être augmentés, voire entièrement remplacés par des prothèses cybernétiques. Ces enveloppes robotiques abritent des « Ghosts », des âmes humaines. C’est le cas de notre personnage principal, Motoko Kusanagi, une cyborg qui dirige une unité spéciale contre le cyberterrorisme. Sa mission : traquer un hacker capable de pirater les esprits et de manipuler les souvenirs.

L’univers de Ghost in the Shell compte une œuvre majeure : le film original de 1995, réalisé par Mamoru Oshii. La BO du long métrage est signée Kenji Kawai. Sa composition hybride mêle chants traditionnels japonais (yamato-kotoba), inspirés des chants polyphoniques du folklore bulgare, et nappes de synthétiseurs. Les voix apportent une dimension presque mystique, tandis que les textures électroniques et les percussions appuient cet univers cyberpunk où l’organique semble avoir disparu. Mais la franchise comporte beaucoup d’autres œuvres, notamment la saison 1 de la série emblématique Stand Alone Complex, lancée en 2002 et réalisée par Kenji Kamiyama. La BO de Stand Alone Complex, elle, nous fait totalement plonger dans l’univers électronique. Composés par la Japonaise Yōko Kanno (notamment connue pour « Tank! », le célèbre générique de Cowboy Bebop), les morceaux traversent plusieurs genres : breakbeat, trip-hop, électro, rock, et même expérimentations vocales.

Boogiepop Phantom

Imaginez : une mystérieuse colonne lumineuse s’élève dans le ciel et d’un coup, tout devient très étrange. Des étudiants disparaissent, d’autres développent des pouvoirs surnaturels. Meurtres, phénomènes paranormaux, mystique et fantômes… Au centre de ces événements, une rumeur court sur un certain dieu de la mort : Boogiepop. Vous aimez ? Bienvenue dans l’univers de Boogiepop Phantom. Réalisé par Takashi Watanabe au sein du studio Madhouse (qui a aussi produit Nana, hihihi !), cet animé d’horreur est sorti en 2000.

Profondément électronique, sa BO réunit autant d’artistes que de morceaux variés. Allant du downtempo au dark ambient, en passant par la jungle, l’IDM, le glitch et la techno, elle ne cherche pas simplement à accompagner les images, mais à installer un état psychologique chez le spectateur. Expérimentale, elle traduit à merveille l’étrangeté et la paranoïa de l’œuvre. Les rythmes sont mécaniques et répétitifs, les sonorités sont distordues, et l’ensemble crée une atmosphère résolument froide.

Paprika

Un petit tour dans vos rêves les plus profonds, ça vous dit ? Parlons du film qui a clairement inspiré (pour ne pas dire plus) Inception. Paprika est un film d’animation japonais sorti en 2006. L’histoire se déroule dans un futur proche où une nouvelle technologie, le DC Mini, permet d’entrer dans les rêves des patients pour les analyser et les guérir. Lorsque certains prototypes sont volés, un criminel se met à pirater l’esprit des gens et le monde des rêves se retrouve mélangé au monde réel. Pour arrêter cette folie, la Dre Atsuko Chiba utilise son alter ego virtuel, une jeune femme : Paprika, et plonge au cœur de cauchemars surréalistes et tous plus fous les uns que les autres.

Côté musique, la BO est cette fois signée Susumu Hirasawa, connu pour avoir également composé la musique de l’adaptation animée du manga Berserk. Globalement très rétro-futuriste, ce disque mêle plusieurs genres électroniques comme la techno ou la synth-pop. L’un des moments forts de l’animé, visuellement mais aussi musicalement, c’est la parade des rêves. Un moment totalement chaotique où marche en cortège tout ce qui représente le capitalisme, le consumérisme au Japon et les dérives de la société contemporaine. La musique y est forte et complètement hypnotisante. Entièrement composé sur un ordinateur Amiga 4000, le morceau mélange des chants futuristes de chœurs virtuels provenant d’une banque de voix et des beats électroniques qui suivent le rythme de la marche. La musique est à la fois cauchemardesque et captivante, à l’image de la scène du film. En live, le musicien joue grâce à des lasers, trop stylé.

Freq

On se doit de tricher un peu : l’œuvre dont on va parler n’est pas un animé (pas encore ?) mais un manga. Mais pas d’inquiétude, il a toute sa place ici, vous allez voir. Écrit par Dai Satō (notamment connu pour son travail sur Cowboy Bebopou Samurai Champloo, banger), ce manga seinen de science-fiction se déroule dans une société futuriste. À Rephlex (oui, le nom de la ville,  c’est une réf’ au label d’Aphex Twin), tout est basé sur les fréquences sonores. Akai, le personnage principal, et le groupe de rebelles Electribe combattent un régime oppressif qui monopolise le pouvoir et les sons. Le manga est ancré dans la musique électronique et ses sous-cultures, que ce soit à travers son histoire (des greffes de fréquences volées sur des consoles de clubs) ou dans son concept global.

Le manga s’accompagne d’un vrai label : FREQ Records. On y retrouve des disques de musiques électroniques qui sont directement liés aux planches de la BD et servent de bandes-sons à ces dernières. Parmi les noms, on croise Eddie Fowlkes, Ken Ishii ou encore Machine Girl. Que ce soit les dessins profondément ancrés dans l’univers cyberpunk ou les bandes-sons signées par des figures historiques de la techno, tout est fou. On a qu’une seule envie : voir le projet enfin adapté en animé. Conseil : allez voir le site, il est beaucoup trop stylé !

Akira

On doute que quelqu’un n’ait jamais entendu parler de ce mastodonte de l’animé japonais, mais on se doit quand même de s’arrêter quelques minutes sur sa BO totalement zinzine. Sorti en 1988, l’animé est réalisé par le génie Katsuhiro Ōtomo. L’histoire nous plonge en 2019 (le futur donc, pour 1988) dans les néons et le chaos de Neo-Tokyo, une mégapole cyberpunk reconstruite sur les cendres de la Troisième Guerre mondiale. Dans la ville, la corruption politique est présente. Les habitants font des manifestations anti-gouvernementales réprimées par l’armée (OH BAH ?). Au milieu des gratte-ciel et des manifs qui partent en vrillent, on suit Kaneda, le chef ultra-stylé d’un gang de motards, et son pote Tetsuo. Pas de chance pour ce dernier : après un accident de moto (la scène de la moto qui dérape qui a inspiré le cinéma international !), Tetsuo développe des pouvoirs psychiques qui lui échappent peu à peu. Pris entre les courses-poursuites avec l’armée, les complots gouvernementaux et la destruction massive, ils essaient de percer à jour un secret de l’État japonais (encore eux…).

Composée par Shoji Yamashiro et interprétée par le collectif Geinoh Yamashirogumi, la BO de l’animé est clairement un chef-d’œuvre (on n’a pas peur des mots, on dit les termes). Ce disque mêle musiques traditionnelles et sonorités électroniques comme peu d’autres prétendent le faire. Les voix humaines, souvent utilisées comme des percussions, et les chants néo-grégoriens appuient des prods aux textures futuristes et cyberpunk créées au synthé. Petite anecdote : certaines sonorités ont été imaginées avant les images, ce qui a influencé le rythme de l’animé.

Texhnolyze

Sorti en 2003 chez Madhouse (oui, encore), Texhnolyze est un nouvel exemple d’animé cyberpunk qui a su utiliser les musiques électroniques au service d’une esthétique surréaliste. Déjà derrière Serial Experiments Lain, c’est Chiaki J. Konaka qui a scénarisé la série. Imaginez une sorte d’immense ville souterraine contrôlée par des gangs, Lux. On y suit Ichise, un boxeur pas hyper bavard qui survit dans les bas-fonds après avoir reçu des prothèses robotiques dernier cri. Oubliez les scènes extraordinaires et les explosions à la chaîne : ici, l’ambiance est lourde, mystérieuse et hypnotique (que du fun). L’œuvre est brute, ultra-immersive, elle associe science-fiction et psychologie.

Côté musique, la BO est composée de deux albums principaux, Texhnolyze: Music Only Music et Texhnolyze: The Man Of Men, signés Keishi Urata et Hajime Mizoguchi. Indissociable de l’ambiance lourde et dystopique de la série, la BO est oppressante et hyper-immersive. Elle mêle des sonorités industrielles et techno (aux rythmes lourds et aux bruits métalliques d’usine) à des nappes d’ambient plus mélancoliques et étouffantes. Le tout donne un sentiment assez inconfortable, sûrement celui que l’on ressent dans les rues de Lux.